1792. La guerre éclate au beau milieu de la Révolution : la République naissante est brusquement confrontée à un défi redoutable et Paris, sous la menace d'une invasion, se retrouve en première ligne. Des centaines de milliers d'hommes partis au combat doivent être équipés et la capitale fait sa part face à un problème logistique d'une ampleur inconnue jusque-là. La ville se transforme ainsi en un vaste chantier destiné à la production d'armes, de poudres de salpêtre, d'habillement et d'équipement. S'ouvre alors un chapitre de la Révolution qui impacte profondément sur le plan économique et social et qui se poursuit tout au long de son cours. Cet ouvrage s'intéresse plus particulièrement à la confection d'articles d'habillement qui mobilise un grand nombre d'ouvrières et d'ouvriers de la couture, dans le sillon d'une tradition productive solidement enracinée dans la capitale. Cette expérience inédite contribue à refaçonner la notion même de travail, désormais associée à l'élan patriotique. Tandis que la figure du soldat-citoyen se consolide aux frontières, celle du citoyen-soldat prend forme à l'arrière. Si des aspects politiques et idéologiques rentrent donc en jeu, le changement d'échelle des armées pose aussi d'énormes problèmes sur le plan administratif, mettant à rude épreuve le régime révolutionnaire. L'étude de ce secteur spécifique rejoint ainsi des questions de fond relatives au système de gouvernance élaboré par la Révolution, à l'émergence d'un nouveau protagonisme populaire et au rôle joué par l'État.

L'intérêt pour les spectacles de la Révolution tient-il à l'émotion ardente qui saisit les spectateurs dans la salle comme dans la cité ? Les grands succès dramatiques entre 1789 et l'Empire sont liés à un contexte émotionnel spécifique, mais aussi à la conscience qu'ont les contemporains de vivre l'Histoire, d'être des témoins privilégiés des débats des assemblées, des incidents de la rue ou des conflits civils et militaires. Le spectateur se retrouve " sous le coup de l'émotion ", entre la réactivation d'un traumatisme et l'anticipation d'un possible avenir, entre l'enthousiasme patriotique et l'éclat de rire libérateur ou fédérateur. Autant d'émotions individuelles et collectives qui ne sauraient être mises à distance ou anesthésiées par une transposition sur les planches. La perspective de l'histoire des émotions permet de considérer sous un nouveau jour ces métamorphoses sensibles et ouvre une voie pour comprendre les interférences entre théâtralité spectaculaire et théâtralité politique. Les études réunies ici dessinent une esthétique nouvelle, tenant compte du remaniement profond de la société, des représentations et des pratiques sous la Révolution française.

Les historiens et le public en général ont longtemps vu dans le XIXe siècle espagnol une période de stagnation et de déclin. Ce n'est que depuis quelques décennies que les historiens, grâce à une meilleure connaissance de la période, mettent en avant la richesse et la fécondité de sa révolution libérale, et l'ampleur des changements qu'elle suscita. Ce livre représente une contribution importante à cette redécouverte. En étudiant les 265 individus qui obtinrent la création d'un titre de noblesse en leur faveur entre 1808 et 1854, il présente une analyse détaillée à l'échelle nationale d'un groupe qui joua un rôle fondamental dans le long processus qui provoqua la fin de l'Ancien Régime et l'avènement de la société libérale et de la modernité politique. Quel rôle les nouveaux aristocrates jouèrent-ils dans le processus révolutionnaire espagnol ? Furent-ils partisans de l'absolutisme ou du libéralisme ? Quelle place conservèrent-ils au sein de la société espagnole, quand la révolution libérale fit disparaître l'armature juridique et sociale de l'Ancien Régime, qui les plaçait au sommet de la société ? Que signifie être noble au XIXe siècle ? Le livre, tiré d'une thèse de doctorat qui a obtenu le Prix jeunes chercheuses et jeunes chercheurs Jean-Philippe Luis 2022, s'attache à donner à ces questions des réponses claires et nuancées, fondées sur l'étude d'archives peu connues, et une perspective comparative internationale qui rappelle l'appartenance de l'Espagne au groupe des États-nations modernes en construction au XIXe siècle.

La notion de trace est un objet de recherche pour de nombreuses disciplines et une question ouverte. Mais qu'est-ce qu'une trace pour un archéologue, un historien de l'art ? En quoi la notion de trace permet-elle de trouver des points de convergences ou de divergences méthodologiques ? Selon quels processus les traces sont-elles rendues visibles ? Qui laisse des traces ? Quelles relations les créateurs et producteurs entretiennent-ils avec les traces de leur travail ? De quelle manière les technologies du multimédia interviennent-elles aujourd'hui dans la reconstitution des traces ? Les contributions réunies ici proposent d'envisager la notion de trace selon trois axes qui peuvent être imbriqués ou dissociés : traces de fabrication, traces d'usage/d'utilisation/ voire d'usure, traces comme méthode d'interprétation. La notion de trace est envisagée de la période antique aux aspects les plus contemporains de la création artistique et architecturale et sous toutes ses formes, créations éphémères, tissus, chapiteaux en pierre, performances, céramiques, etc. Cette publication se situe dans le prolongement de questionnements diachroniques et pluridisciplinaires qui ont nourri deux précédentes journées d'étude adossées aux travaux transdisciplinaires de l'axe 2 " Production et pratiques sociales des arts " du CHEC (Centre d'Histoire " Espaces et Cultures " – UPR 1001) et publiées chez le même éditeur.

Comment comprendre le changement politique à l'œuvre en Espagne et dans les restes de son empire après la guerre d'indépendance ? Ce livre en explique les dynamiques au fil d'un long XIXe siècle. Au point de départ, l'œuvre de Jean-Philippe Luis. Celui-ci avait mis en évidence le paradoxe d'une monarchie absolutiste restaurée qui, tout en organisant la répression politique des libéraux, réforme en profondeur. L'explication ne résidait pas dans un projet de rationalisation instrumentale répondant à une vision simpliste de la modernisation mais dans les stratégies d'un régime pris entre les feux de deux oppositions, dont les dirigeants promouvaient une ligne " administrativiste " au contenu idéologique marqué. Analysant les trajectoires d'individus confrontés aux ruptures révolutionnaires, Luis montrait comment leurs identités étaient le produit de constantes reconstructions. Le livre prolonge ce travail en combinant plusieurs approches de l'activité des acteurs: une fine analyse de réseau, l'étude de la fabrication de mémoires collectives, l'examen des discours ou la reconstruction de mobilités individuelles. Il brosse un portrait nuancé de la " modernité " espagnole. Les ruptures du XIXe siècle, indéniables, ne se bornent pas à l'affrontement entre deux blocs: le libéralisme est pluriel et les réactionnaires ont fait leurs quelques principes révolutionnaires. La question de la singularité espagnole peut alors être posée.

L'idée d'art moderne et le concept de nouveauté qui la sous‑tend ont été combattus non seulement de l'extérieur, par les regardeurs (public et critiques), mais aussi de l'intérieur, par les artistes eux‑mêmes, et non des moindres. Car, en définitive, c'est des acteurs historiques de la modernité que proviennent les objections les plus stimulantes. Renoir, Seurat, Denis ou Derain, pour ne retenir que ces quatre exemples, incarnent, chacun à leur manière, la figure baudelairienne de l'antimoderne, c'est‑à‑dire un moderne à contre‑cœur, un moderne critique envers la modernité, mais un moderne quand même. Les différentes formes de résistance à la modernité artistique dont il est ici question sont donc le fait des créateurs et elles ne sont pas appréhendées dans leur relation au politique. Cette perspective méthodologique explique le cadre géographique de l'étude. Écarter le politique comme instrument d'analyse suppose en effet d'examiner le phénomène à des époques et sous des latitudes où le principe de " l'autonomie de l'art " n'a pas été mis à mal par le cours de l'histoire. Outre Paris, où le concept de modernité artistique a vu le jour, l'enquête se déploie donc dans les capitales culturelles des deux plus anciennes démocraties libérales : Londres et New York.

Dans le prolongement des questionnements engagés sur la transmission des œuvres en général, et plus particulièrement ceux attachés à la transmission des techniques, des images et des théories liées au processus de création artistique, cet ouvrage propose d'explorer dans cette perspective les notions de dynastie et de province. Plus précisément, il s'agit de porter un nouveau regard sur cette construction et sur ce qu'elle produit en province et au sein de lignée d'architectes et d'artistes au cours des XIXe et XXe siècles. L'ouvrage réunit les actes de la journée d'études menée conjointement par des chercheurs du Centre d'Histoire " Espaces et Cultures " (CHEC) de l'Université Clermont- Auvergne et de l'UMR Ressources de l'École nationale supérieure d'architecture de Clermont-Ferrand (ENSACF).

Les mises à l'écart et les exclusions constituent un objet souvent négligé par l'historiographie du politique, de même que la caducité de l'acteur public. Leur prise en compte permet toutefois d'interroger la linéarité de l'action politique dans toute sa complexité. Cet ouvrage a vocation à déterminer les sources de l'historien sur le sujet, mais également les différents dispositifs de mises à l'écart et de critiques du pouvoir en des configurations de périphéricité voire de marginalisation. On se demandera, également, si la critique du pouvoir a toujours été fonctionnelle: l'accusation de caducité a-t-elle donné des résultats (l'élimination de l'homme politique), ou l'acceptation d'être un homme du passé a-t-elle permis à cet homme de durer, de revenir, de laisser quelque chose, une trace ? Cette catégorie a-t-elle offert aux observateurs, aux historiens, des clefs réelles, des outils d'analyse ou de reconstruction ? L'approche diachronique choisie ne consiste pas à la juxtaposition de cas depuis l'Antiquité jusqu'aux temps contemporains, mais plutôt à la recherche des mises en regard entre les périodes, dans une appréhension sereine des trans-historicités. Onze auteurs ont accepté de participer à ce livre organisé autour de trois axes : les mises à l'écart politiques comme un mode de gouvernement ; la translation du pouvoir en influence ; enfin, les relations dialectiques entre les conditions du ressourcement, les possibilités du retour, et parfois l'impératif de l'oubli.

En septembre 1835, l'aviso Le Castor jette l'ancre en rade de Toulon, chargé de dessins et de sculptures de la Renaissance à destination de Lille, légués à la Société des Sciences de cette ville par J.-B. Wicar, élève de David (1762-1834). Découverte dans ce trésor, une tête de femme en cire, réputée " du temps de Raphaël ", devient, à partir de 1865, l'œuvre majeure du musée de Lille. Au creux d'une niche dorée, elle enthousiasme, séduit et intrigue. Est-elle le moulage d'une morte de l'Antiquité, retrouvée à la Renaissance? Sa beauté idéale n'en fait-elle pas plutôt la Joconde de Lille, œuvre de Léonard? Convaincu, Dumas fils en commande une réplique à Henry Cros en 1869. Malgré de moins prestigieuses attributions, sa renommée croît et culmine en 1918: l'héroïque " Belle Jeune Fille de Lille ", soustraite à la convoitise de l'occupant, devient alors un emblème. Mais une gêne s'installe: a-t-on vénéré une œuvre obscure du XVIIe siècle, ou pire, un faux?Le présent ouvrage ne se prend pas au jeu du connoisseurship. Il montre plutôt qu'à ériger cette sculpture en chef-d'œuvre, on court le risque de négliger son statut et sa fonction. Essai épistémologique, il analyse l'attitude des historiens de l'art et du public à son l'égard, à travers l'historiographie, les poèmes, les romans, les photographies, les estampes et des fac-similés. Il montre que ce " grand Tout en un petit volume ", selon Dumas fils, en cristallisant les attentes en matière de beauté idéale, est devenu le visage même d'un désir, refoulé après 1945. Il analyse un phénomène d'histoire de l'art et de société, une adoration muée en soupçon et en indifférence. L'œuvre en elle-même est pourtant innocente du transfert que nous opérons sur elle.

Comment, du Moyen Âge à nos jours, des membres du clergé chrétien ou des savants religieux d'autres confessions ont-ils pu, à travers une prédication de performance, des sermons ordinaires, des diatribes contestataires ou l'usage d'une violence de connivence, porter une critique du pouvoir laïque? Les rapports entre religion et politique sont au cœur de nos débats contemporains. Leur étude a besoin du regard des historiens, qui peuvent offrir des clés de lecture sur la longue durée tout en évitant le danger de l'anachronisme. Ils interrogent le passé en étant certes attentifs aux permanences d'institutions séculaires, mais en veillant à contextualiser les phénomènes. De la parole prophétique médiévale à l'Afrique contemporaine en passant par les révolutions européennes, ce livre invite à une exploration de différents types de discours, suffisamment puissants pour qu'ils trouvent résonance et influence hors de leur univers de départ, jusqu'à faire parfois oublier d'où ils viennent.

Ce volume rassemble des travaux nés depuis 2010, qui proposent une relecture critique des restaurations de monuments au XIXe siècle. Son ambition est de renouveler l'historiographie, mais aussi d'éclairer les pratiques actuelles, en préparant un " manifeste renouvelé de la restauration " pour poser une réflexion susceptible de répondre aux limites du cadre actuel. L'ouvrage comprend des travaux nés du projet Construire, Restaurer, Détruire: les chantiers du XVIIIe au XXe siècle, dirigé à partir de 2017 par Arnaud Timbert à l'Institut National d'Histoire de l'Art. Les deuxième et troisième séances du cycle de séminaires organisé à l'INHA dans le cadre de ce projet sont publiées ici: celle du 6 avril 2018 dirigée par Bruno Phalip, Une image trompeuse ou l'illusion du temps aboli. Les " fantômes mensongers " du restauré aux XIXe et XXe siècles, et celle du 8 juin 2018 dirigée par Fabienne Chevallier et Bruno Phalip, Les technologies modernes dans les chantiers de restauration du début du XIXe siècle à 1920. Sources, pratiques et théories dans l'environnement européen.

Là où l'histoire de l'architecture des théâtres s'est globalement focalisée sur quelques archétypes inspirés de monuments remarquables, l'étude des espaces de spectacle et de divertissement révèle a contrario une grande diversité de formes, d'échelles et d'usages. Le temps long privilégié, du XVIIIe siècle à nos jours, permet d'observer et d'interroger les permanences et les mutations de ces espaces voués au spectacle vivant; des analyses circonscrites à une période, à des villes précises ou à un phénomène culturel particulier enrichissent aussi cette perspective diachronique. La variété de l'offre spectaculaire contribue à l'émergence des lieux et des espaces qu'il est possible d'appréhender en questionnant leur hybridité. En dépit des nombreuses disparitions et transformations, signes des turbulences de l'histoire de l'architecture des lieux scéniques, force est de constater que les activités liées au spectacle et au divertissement perdurent dans la ville, sur plusieurs siècles parfois, à des échelles plus grandes que celles des bâtiments, pour se penser au niveau de quartiers ou d'îlots. Et c'est finalement la longévité même de certaines de ces vocations " spectaculaires " qui peut nous interroger et nous faire porter, à travers ces équipements, un autre regard sur l'histoire de la ville.