Cet ouvrage collectif explore l'intégration du corps et des sens dans les disciplines artistiques — arts visuels, musique, danse, création littéraire et design — tant dans le processus de création que dans l'acquisition de connaissances et de compétences. Bien que des recherches récentes aient mis en lumière l'importance du corps dans l'apprentissage, son rôle reste insuffisamment exploré, notamment dans le domaine artistique. Structuré en trois sections, cet ouvrage propose une approche plurielle, mobilisant des perspectives théoriques de la recherche-création, de la didactique, des arts, de la psychologie et des sciences de l'éducation, pour réfléchir à la place centrale du corps dans l'éducation à la création artistique. Chaque section est composée de trois contributions.La première section, " Penser le corps à travers la Recherche-création ", s'intéresse à la méthodologie de la recherche-création, un domaine prometteur mais encore trop rarement exploré dans la recherche en éducation. Elle examine comment l'engagement du corps et des sens peut contribuer activement à la construction de savoirs, de compétences et d'attitudes dans le cadre de l'éducation artistique. La deuxième section, " Apprendre par le corps: propositions pédagogiques pour la création artistique ", analyse comment l'intégration des pratiques corporelles dans l'enseignement peut favoriser le développement d'une intention artistique, renforcer des compétences professionnelles, ou encore créer des " corps créatifs " dans les espaces scolaires normés. Cette section propose des ateliers centrés sur le corps, ouvrant la voie à de nouvelles formes de savoirs. Enfin, la troisième section, " Corps et enseignement artistique: enjeux didactiques ", interroge le rôle du corps et des sens dans la formation des enseignants, en tant que levier essentiel pour améliorer la transmission de la création artistique et enrichir la réflexion sur les interactions entre didactique, pratique artistique et corporéité.

Inscrite dans le temps long de l'histoire, la notion de beauté serait intimidante, aliénante, parfaitement relative, voire poussiéreuse. À quoi bon, pourquoi donc parler – encore – de "beauté"? L'hypothèse que nous soutenons réaffirme à l'inverse les enjeux d'universalité, d'humanisme, de plaisirs et d'émotions qui sont spécifiques à la beauté. Nous pensons possible, et même nécessaire, de retrouver dans celle-ci une vitalité, une valeur, un pouvoir de transformation et d'orientation capables de nous interroger sur la manière de nous confronter aux enjeux d'aujourd'hui; car, loin d'être mortifère, la beauté peut être, selon nous, l'opérateur d'un futur commun, d'un monde habitable.

Longtemps considéré comme le péché capital des sciences historiques, l'anachronisme fait pourtant partie, souvent inconsciemment, des pratiques de l'histoire de l'art, notamment à travers l'usage courant de notions forgées au xixe siècle en Europe. Cependant, il peut aussi être pensé comme un outil méthodologique permettant de construire d'autres histoires de l'art, faisant naître de nouvelles questions, de nouveaux objets, de nouvelles muséographies. Les auteurs et les autrices de ce numéro font le point sur ces différents recours scientifiques et artistiques à l'anachronisme, des plus poétiques aux plus politiques.

À l'avant-garde de la création artistique, le monde du spectacle vivant contemporain fascine mais reste souvent méconnu.Conjuguant enquêtes systématiques et études de cas plus spécifiques, ce livre synthétise cinq années de recherche collective par une équipe de sociologues au coeur des arts vivants. Dans cet ouvrage, des données d'une précision rare et des analyses nuancées viennent éclairer les rapports sociaux entre les acteurs et les actrices du monde du spectacle contemporain, depuis les fonctions deprogrammation jusqu'aux métiers techniques en passant par le travail de création des interprètes et des auteur·trices.Écrit dans une langue à la fois accessible et rigoureuse, Les talents en scène intéressera aussi bien le public académique spécialiste des arts et de la culture, que les professionnel·lesdu secteur, et toutes les personnes désirant travailler dans le domaine du spectacle, ou quiconque souhaite mieux comprendre les fonctionnements de ces mondes sociaux.

p.p1 {margin: 0.0px 0.0px 0.0px 0.0px; font: 11.5px Helvetica; color: #ffffff}" Le théâtre est mort! " L'idée que l'arrivée du cinéma parlant, à la fin des années1920, signerait la mort du théâtre est largement partagée dans la presse de l'époque,qui parle de " détournement " du public et de " défection " des auteurs dramatiqueset des acteurs qui se tourneraient alors résolument vers le septième art. Pourtantaucune véritable étude chiffrée n'a été conduite pour vérifier l'exactitude de cetteassertion. Par le biais d'une étude locale, cet ouvrage propose une relecture desrapports entre le cinéma et le théâtre à Lyon lors de la généralisation du parlant.Contrairement aux idées reçues, si les théâtres lyonnais connaissent des difficultésdans les années 1930, la concurrence du film parlant n'en est pas la cause principale.

Au carrefour du Proche-Orient et de la Méditerranée orientale, le Levant a été de tout temps une aire multiculturelle, une zone de contacts entre l'Asie, l'Afrique et l'Europe. Depuis le XIXe siècle, des fouilles archéologiques en révèlent l'archéologie et l'histoire. En écho aux évolutions et aux enjeux de l'archéologie dans cette région, ce numéro de la revue Technè mettra en lumière les apports de l'approche pluridisciplinaire à la connaissance et à la préservation des patrimoines du Levant, du Néolithique à la fin du Moyen Âge. Les recherches fondées sur l'association de l'archéologie et de l'histoire à l'approche archéométrique s'y sont développées à partir de la première moitié du XXe siècle. Il s'agira de retracer les évolutions de cette démarche et les différentes étapes qui ont conduit à la mise en œuvre de nouvelles méthodes d'examen et d'analyses apportant une connaissance de plus en plus approfondie des productions de la culture matérielle des sociétés qui se sont épanouies dans cette région, et qui sont aujourd'hui conservées dans des musées et des collections publiques.

À l'heure où les images se répandent dans un flux continu, saturant nos écrans, nos champs de vision, nos horizons, les pratiques de création consistant à se réapproprier le répertoire visuel déjà produit traversent les arts et les médias. Ce volume questionne les modalités de ces reprises, les retours d'images qui gagnent un statut de référence, les défis portés à la propriété artistique, les processus de transformation et de recontextualisation opérés dans des registres variés – ludique, critique, engagé… Des mèmes internet aux reenactments, en passant par les tableaux vivants et les réemplois artistiques et cinématographiques d'images d'autrui, ce numéro confronte les démarches de réappropriation pour mieux en cerner les contours, les limites et les potentiels créatifs.

L'ouvrage restitue les résultats d'une enquête collective menée pendant deux ans sur le festival Off d'Avignon, terrain particulièrement éclairant pour penser et questionner les rapports à l'art et à la création aujourd'hui.Fruit d'une enquête collective de deux ans, l'ouvrage explore le festival Off d'Avignon, historique pendant protestataire du festival In ; terrain particulièrement éclairant pour penser et questionner les rapports à l'art et à la création aujourd'hui, ainsi que les mutations qui traversent la filière du spectacle vivant dans un contexte post crise sanitaire et à l'heure des transitions environnementale, économique, numérique et sociale.

Cet essai retrace l'histoire d'une série de malentendus qui jalonnent les vies multiples d'une œuvre et interrogent le rapport toujours tendu qu'entretiennent l'art et le politique. Tout débute par un ensemble de stratégies interprétatives destinées à " neutraliser " le sens que l'on attribue à la peinture du drapeau des États-Unis réalisée par Jasper Johns en 1954-1955. En inverser les couleurs revient-il à révéler une charge politique latente? Les interprétations qu'en donnent Faith Ringgold, Donald Judd ou Yvonne Rainer à la fin des années 1960 trahissent-elles l'indifférence de leur modèle? Certes, nous prévient Jasper Johns, un artiste qui dit fabriquer du chewing-gum peut se trouver attribuer l'intention de produire de la colle. L'histoire continue et, en 2025, on ne saurait sous-estimer la portée symbolique d'un drapeau des États-Unis en négatif tel que l'a peint Jasper Johns il y a tout juste 60 ans.

Les contributeurs et contributrices de ce numéro se penchent sur la question du travail dans ses relations avec l'histoire de l'art. Des représentations iconographiques – comme celles de l'artisanat, de l'industrie ou encore des femmes au travail – aux corporations et à la conception du statut de l'artiste en passant par la définition et l'exercice du métier d'historien et historienne de l'art, le thème de ce numéro permet d'examiner l'évolution de la conception de l'activité artistique en même temps que le développement du vocabulaire destiné à la nommer. Il s'agira également d'identifier les courants de l'histoire de l'art qui ont porté leur attention sur la production et le processus de l'art plutôt que sur sa réception et de comprendre selon quelles théories, méthodologies ou idéologies la discipline s'est constituée.

Contrairement au lieu commun prétendant que les andalous et, plus encore, les gitans seraient " par nature " fatalistes et résignés, un grand nombre de textes du répertoire flamenco peuvent être lus comme une histoire populaire de l'Andalousie.Le livre mène en parallèle l'étude de l'histoire politique et sociale de l'Andalousie depuis le début du XIXe siècle et celle de 251 textes de chants traditionnels ou d'auteurs (espagnol et traduction en français audios mp3 associés).Traduction des letras : Maguy Naïmi

Dominique Malaquais, historienne de l'art et politiste (1964-2021): son existence et sa formation sont ancrées dans deux pays (Etats-Unis, France), deux cultures et deux langues. Pour elle, penser l'art et penser le politique ne font qu'un. Et c'est aux Afriques, à leurs cultures urbaines et à leurs arts que, pendant plus de trente ans, elle consacre son activité de chercheure, d'enseignante, de curatrice, de traductrice et d'écrivaine.Parce que le travail en collectif était essentiel pour Dominique Malaquais, elle se raconte ici avec des compagnes et compagnons de route – Kadiatou Diallo, Silvia Forni, E´le´onore Hellio, Jean-Christophe Lanquetin, la paperson, Lionel Manga, Dominique de Me´nil, Ntone Edjabe et Julie Peghini. Elles et ils sont universitaire, vide´aste, curateure, sce´nographe, bloggeuse, activiste, essayiste, édiiteur ou encore DJ. Avec chacune, avec chacun, un échange. Il y est question d'insoumission, de convictions partagées et de pratiques communes, de prises de position et de désaccords, d'incertitudes, de colères, de joies, de possibles, de culs-de-sac. Au fil de ces récits se construit un atlas de trajectoires entrelace´es.L'importance du travail accompli par Dominique Malaquais a pour nom Afriques. Les Afriques où elle a engagé son expérience affective, sensorielle, relationnelle, artistique et politique. Les Afriques qu'elle place d'autant plus haut qu'elle a toujours la plus vive conscience de rester, quoi qu'elle dise ou quoi qu'elle fasse, une Occidentale, enseignant dans les plus prestigieuses universités états-uniennes ou œuvrant au CNRS. L'exigence, la lucidité, la clairvoyance des échanges qui trament cet ouvrage tiennent indissociablement à ce que Dominique Malaquais y relaie les arts africains d'êtres engagés et engageants – qui font humain ensemble: ubuntu – et aux façons dont elle effectue cette passe, suggérant par quelles coopérations à géométrie variable peut s'opérer ce relais.