Personnage complexe, le savant fou renvoie à une opposition remontant à l'antiquité qui perçoit folie et génie comme deux notions complémentaires. Cette complémentarité perdure et se nourrit des crises épistémologiques qui bouleversent la perception du monde et de lui-même qu'a l'être humain. La figure du savant fou cristallise de nombreuses peurs diffuses qui peuvent être d'ordre politique, social, religieux, économique ou idéologique et qui ont trait à la possibilité même de se définir en tant qu'être humain. La figure a par ailleurs accédé au rang de figure mythique " moderne " avec le mythe de Faust qui ractive le mythe antique de Prométhée. Cet ouvrage fournit l'occasion d'explorer plus particulièrement les avatars contemporains du savant fou ainsi que la spécificité des questionnements qu'il met en jeu dans le roman et les arts visuels de la fin du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Il permet également d'aborder la dimension mythique de cette figure qui du Victor Frankenstein de Mary Shelley à nos jours ne se lasse pas de resurgir dans les représentations imaginaires et fictives.

L' oeuvre de Christian Doumet est moderne au sens exigeant où le sont celles de Gérard Macé, d'Yves Bonnefoy ou de Pascal Quignard. Centré sur les enjeux de la fiction du vécu, cet ouvrage montre comment Christian Doumet se tourne vers le réel, l'écoute, et recrée à partir de cette écoute des sortes de fictions instantanées. Cette étude considère la création littéraire de Christian Doumet comme une variation discontinue sur le thème de l'invention de soi : invention destinée à mieux embrasser le monde dans son ambiguïté profonde et à confondre la réalité du monde et des mots dans un sens éthique, ontologique et esthétique. Poète et essayiste, spécialiste d'esthétique musicale, Christian Doumet est né en 1953 et a publié de nombreux ouvrages.

Ecrire la crise ce n'est pas la raconter. c'est montrer comment elle modifie nos manières de raconter. encore faut-il s'entendre sur le mot lui-même car peut-on appeler crise (du grec " krisis " : changement brutal) cette lente dissolution des valeurs de la modernité qui nous fait entrer dans un " après " informulable, sinon par le terme souvent controversé de postmodernité ? Au-delà des polémiques que suscite cette notion, il s'agit ici de considérer le postmoderne non pas comme une régression anti-moderne mais comme la prise de conscience d'un certain nombre de dévoiements du projet moderne qui nous projettent dans une ère de turbulence dont les arts, et en particulier la littérature, portent la marque. Ainsi considéré, le postmodernisme n'est ni une école, ni une avant-garde. il témoigne avant tout d'une crise de culture à la transition des deux siècles, qui s'est transformée en culture de la crise, de sorte que, non seulement la pensée, la science et les arts, s'en trouvent affectés, mais de manière plus profonde encore, la société et l'individu. c'est pourquoi cet essai se propose à la fois, d'examiner l'hypothèse postmoderne comme mise en turbulence des valeurs de la modernité, et de définir le postmodernisme en littérature comme une esthétique qui met en relation les configurations sociales et certaines formes d'écriture contemporaine.

" Je suis un ouvrier du théâtre. Le côté artisanal du théâtre me ravit ", déclare Jean Anouilh (1910-1987). Auteur à succès d'une cinquantaine de pièces représentées, ce dramaturge se vante, non sans provocation, d'avoir du métier, de connaître les ficelles de son art – qu'il exhibe à plaisir dans des arabesques métadramatiques. Cette posture lui a valu une réputation de faiseur, de boulevardier, utilisant inlassablement les mêmes trucs pour produire des pièces " bien faites ". Or le savoir-faire d'Anouilh est loin de se limiter à un ensemble de recettes éprouvées qui produiraient un succès facile : il est mis au service d'une oeuvre personnelle et d'une dramaturgie joyeusement et effi cacement bancale. Ce volume, qui constitue les actes du premier colloque consacré à l'oeuvre de cet auteur, est une plongée dans l'atelier du maître, une exploration des coulisses de sa création, une traversée de son répertoire. Quant à la façon elle- même, Anouilh apparaît comme un couturier dramatique : il taille, il coupe, il rapièce. De patrons connus, il fait des modèles neufs. L'étude de la " griffe " dramatique d'Anouilh, ici entreprise, passe d'abord par la redécouverte des maîtres qui ont inspiré et façonné son oeuvre : la mémoire du métier et son réemploi. Elle se poursuit par l'analyse du " bâti " : Anouilh ne cesse de varier les tons, d'hybrider les genres, de marier les imprimés, de changer de mode ; il se renouvelle en restant fi dèle à lui-même. Elle se termine par un retour sur les représentations de l'artisan dans son théâtre et ailleurs : Anouilh au miroir. En abordant cette oeuvre multicolore avec un nouveau regard, ces articles permettent de vérifier des acquis sur l'art d'Anouilh mais aussi de nuancer certaines idées reçues et peut-être de leur tordre le cou. Haute couture, basse couture ? Au lecteur d'en décider. Les actes du colloque sont complétés par deux inédits : La Traversée et Charlemagne.

L'histoire a principalement retenu Gustave Kahn (1859-1936) pour sa contribution au symbolisme littéraire et pour son œuvre de critique d'art. Or, c'est la nature même de son implication dans la vie culturelle de son époque qui fut exceptionnelle. Les études rassemblées ici développent une vision de l'auteur centrée sur son engagement artistique et social, tout en précisant des questions encore peu approfondies, comme la place de l'écrivain dans les milieux intellectuels de gauche ou encore son rôle dans la renaissance culturelle juive, en France, à partir des années 1910. L'ouvrage rend compte de la richesse d'un parcours singulier : si Kahn s'est illustré en tant que poète, son influence dépasse largement le domaine littéraire puisqu'il a été fondateur de revues, critique d'art, romancier, conteur, chroniqueur, préfacier, soutien aux artistes, libre penseur, homme de gauche convaincu et intellectuel juif. Le recueil démontre une cohérence profonde entre ces diverses formes d'engagement car, loin de la vision stéréotypée de l'écrivain symboliste dans sa tour d'ivoire, Kahn apparaît comme un auteur engagé qui défendait l'idée de la responsabilité du poète au sein de la société.

Distance, écart, brutalité, force, acharnement, fureur, rage, transgression, agression, sévices, répression, torture, oppression, sacrifice, inceste… les épreuves par lesquelles se déploie ou s'exprime la violence, loin des mots, dans ce qu'il conviendrait de qualifier de bestialité de l'humain sont multiples. La violence, physique ou morale, est déclinée à l'infini dans l'écriture romanesque de Mario Vargas Llosa et contenue dans chacun de ces mots. Si selon Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa le rapporte dans l'essai qu'il consacre à l'écrivain colombien, pour écrire un bon roman sur la violence, il faut l'aborder de manière détournée, dans ses conséquences et non dans la description de décapités, d'éventrés…, l'écrivain péruvien, lui, l'aborde sous différents angles, selon les besoins de la narration. Il s'agit dans cet ouvrage de comprendre comment le texte, tissu verbal, peut rendre compte de cette litanie de manifestations de la violence, s'il n'y a pas un écart entre le dit et la manière de le dire dans l'œuvre de Mario Vargas Llosa. C'est dans l'écart ou dans la réduction de celui-ci que s'immisce l'autorité de l'écrivain, celle qui révèle le texte et son contenu au lecteur, la seule capable de sublimer la matière violente car dans les œuvres, en prenant chair grâce aux mots, la violence fait sens.

Dans une de ses lettres, Guy de Maupassant cite le témoignage d'un tiers sur la nièce de Flaubert : " Elle a une fermeté d'homme et un cerveau détraqué de femme ; elle est intolérante, infaillible, d'une raison suprême. C'est ainsi que devait être absolument Madame de Maintenon ". Si en 1878, le " mythe noir " concernant l'épouse morganatique de Louis XIV semble donc toujours en vigueur, un " mythe blanc " réhabilitant la marquise s'est également construit, en se déplaçant vers le personnage de l'éducatrice. Mais qui est donc Mme de Maintenon ? L'heure est venue de s'intéresser non pas tant au personnage qu'à ses écrits et à leur réception en France et en Europe du XVIIe au XXIe siècle à travers les éditions et rééditions de ses lettres, de ses mémoires et de ses écrits pédagogiques, comme dans les ouvrages épistolaires et scolaires. La place faite à Mme de Maintenon au sein de l'histoire littéraire oscille entre valorisation, relégation, voire occultation, parfois au gré de canons évolutifs et révèle à travers ces écarts de réception une évolution des normes stylistiques et des usages littéraires. Cet ouvrage se propose à la fois d'explorer la dimension rhétorique et esthétique de ses textes qui, loin d'être spontanés, relèvent de stratégies discursives précises et maîtrisées ; il entend ainsi explorer des pans encore peu connus de l'œuvre de Mme de Maintenon et de sa réception à travers les siècles et les pays. L'évolution des champs d'analyse en littérature, l'ouverture de problématiques nouvelles centrées sur les genres dits " mineurs ", sur l'esthétique galante, sur les appropriations féminines des modèles rhétoriques et plus largement sur l'histoire des femmes, permettent de reconsidérer ces textes qui ne cessent d'exercer leur influence.

Tout en s'inscrivant dans le cadre général de la réflexion sur le rapport entre esthétique et éthique dans des pièces de théâtre où est abordé un sujet politique, l'ambition de ce volume est de dépasser une approche qui regarde les œuvres sous l'angle exclusif de l'engagement ou du désengagement. Il fait, à cette fin, le pari de l'ouverture à d'autres périodes et d'autres champs culturels, proposant, en complémentarité, quelques études sur des théâtres politiques de jadis et d'ailleurs. Chemin faisant, les articles soulèvent la question de l'acceptabilité du politique au théâtre. Dans quelle mesure le public est-il prêt à entendre un " sens politique " derrière ce qui se livre parfois comme un innocent divertissement, quelles sont les époques ou les conjonctures où il se montre plus ou moins volontaire pour coopérer à son avènement ? Si les articles ne proposent pas, à proprement parler, d'études culturelles, ou des analyses des mentalités explicitant les raisons pour lesquelles le " politique " entre plus ou moins dans un horizon d'attente donné, ils apportent des informations sur la façon dont les auteurs abordés perçoivent eux-mêmes (et se positionnent par rapport à) cet implicite de la relation théâtrale. Certains travaux décrivent ainsi des stratégies de légitimation des sujets politiques, surtout dans les situations où la contrainte du pouvoir rend l'exercice dangereux. D'autres décryptent la volonté ou le génie de certains auteurs de ne pas être, politiquement, exactement là où le public attend que le texte se place. Tous dessinent un ensemble plus riche en lignes de fuite qu'en lignes de force, ouvrant des champs dans lesquels le lecteur poussera, en fonction de ses intérêts, ses propres explorations.

L e texte beckettien est en tension perpétuelle entre ce qu'il nie (la possi- bilité de faire trace, de signifier, d'être un lieu de mémoire) et ce qu'il manifeste (l'absolue vitalité de la langue, la conscience de l'écriture comme inscription, la constitution du texte comme trace et comme image, qu'il s'agisse de l'espace de la page ou de celui du plateau).De la mise en scène du processus mémoriel dans les textes (narratifs ou dramatiques) à la mise en archive du processus de création dans le fonds Beckett, le présent volume se propose d'explorer la manière dont l'écriture beckettienne est travaillée par ces paradoxes de la trace, de la mémoire et de l'oubli, par des processus simultanés de déshistoricisation et d'historicisation, d'effacement de l'événement et d'ins- cription de l'acte de parole ou de l'acte de création.

A l'aube du XXe siècle, le théâtre britannique trouve dans les sciences une nouvelle source d'inspiration. De la thermodynamique à la mécanique quantique, des mathématiques du chaos à la neurologie, les sciences exactes entrent en scène, dans des œuvres aussi diverses que celles des dramaturges Tom Stoppard, Caryl Churchill et Sarah Kane, ou des compagnies On Theatre et Complicite. Ce dialogue avec le laboratoire, qui oscille entre l'imitation d'un modèle rationnel et la critique d'un lieu de pouvoir, témoigne toujours d'une fascination envers l'imaginaire scientifique de notre époque. Car c'est avant tout un rôle poétique que joue le discours scientifique dans ce théâtre. De thème, la science y devient langage, fournissant des métaphores et des structures narratives à des dramaturgies incertaines, caractérisées par une esthétique postmoderne de la vérité multiple et de l'ouverture du sens. A travers ces différentes façons de mettre en jeu la science, c'est un renouvellement des langages dramatique et scénique que proposent les artistes contemporains.