Contrairement au lieu commun prétendant que les andalous et, plus encore, les gitans seraient " par nature " fatalistes et résignés, un grand nombre de textes du répertoire flamenco peuvent être lus comme une histoire populaire de l'Andalousie.Le livre mène en parallèle l'étude de l'histoire politique et sociale de l'Andalousie depuis le début du XIXe siècle et celle de 251 textes de chants traditionnels ou d'auteurs (espagnol et traduction en français audios mp3 associés).Traduction des letras : Maguy Naïmi

Ce volume, pluridisciplinaire, s'intéresse au nocturne en proposant deux axes de réflexion: le premier analyse la nuit comme foyer de l'imagination et de la fantaisie, l'autre s'oriente sur sa "fabrique" en examinant les outils, le langage et les systèmes déployés pour représenter cet univers. L'ouvrage réunit des travaux explorant la polysémie du nocturne dans le répertoire musical savant occidental illustrée par les scènes de sommeil dans l'opéra baroque, le portrait structurel et formel du nocturne pianistique romantique, les déclinaisons de la nuit chez Puccini ou encore chez Messiaen et les métamorphoses des pratiques sociales avec l'arrivée de la "nuit artificielle" dans les salles de concert. Une étude sur les procédés employés par les graveurs anglais pour représenter l'obscurité vient enrichir la thématique. L'ensemble se conclut par une édition moderne de l'Essai sur les transparents publié à Londres en 1807 par Edward Orme, et réédité ici pour la première fois après plus de 200 ans de silence.

Désirant relier les acteurs et les commentateurs de la vie artistique du monde, ce volume montre les divers degrés synergiques qui animent les sommets d'une triangulation conceptuelle (musiques, mondialisation et sociétés). Ressortissant de l'ici et de l'ailleurs, de l'art savant et de la musique populaire, du politique et du religieux, du localisme et de la globalisation, les articles cosmopolites qui le composent traitent, chacun à sa manière, du sens et des enjeux inhérents aux différentes expressions musicales des cents dernières années.Entre création et transmission, métissage des populations et réseaux de diffusion planétaire, partage artistique et lien social, néocolonisation et mondialisation, ce livre tente de démontrer que le monde des musiques reste un vecteur primordial de la médiatisation culturelle. Les thèmes abordés vont des jeux chantés pour enfants au Festival mondial des arts nègres, du tout-monde de Glissant à la world music africaine, des partitions " contemporaines " (de Schoenberg à Stockhausen) au black metal, de la musique japonaise pour koto à celle des peuples Wayapi et pahoins, etc. Loin d'une vision idéalisée reflétant peu ou prou les grâces d'Érato, cet ensemble de textes suggère finalement qu'en raison des reflets émanant des objets et des sujets qui l'actualisent, la musique porte, aux temps de la mondialisation de ce premier quart de XXIe siècle, les maux et les espoirs de son époque.

Synthèse d'une vie de chercheur, d'enseignant et de musicien, le présent ouvrage de l'ethnomusicologue Bernard Lortat-Jacob offre une vision panoramique des musiques populaires des pays parcourus par l'auteur (Maroc, Sardaigne, Roumanie, Albanie) en même temps qu'une leçon magistrale de musicologie. De la même façon que, de tout temps, et sans l'aide de l'écriture, les sociétés humaines ont su édifier des systèmes politiques, échafauder des cosmogonies, penser des procédures juridiques, imaginer des techniques complexes, produire des merveilles d'art plastique, de façon analogue, ces mêmes sociétés font résonner des chefs-d'œuvre de la polyphonie vocale, le plus souvent ignorés de nos contemporains. Petits pays (simples villages gouvernés par la tradition), grandes musiques (sublimes chœurs d'hommes faisant vivre une improvisation toujours renouvelée), l'ouvrage de Bernard Lortat-Jacob introduit le lecteur dans l'intimité des cultures populaires, donnant à comprendre que, conformément à la formule de Gilbert Rouget, " la musique, c'est toujours beaucoup plus que la musique ". Sous la plume de Giovanni Giuriati, la préface retrace le parcours de l'auteur, " figure centrale de l'ethnomusicologie européenne ", tandis que dans une postface/volte-face inédite, l'auteur lui-même explique le pourquoi et le comment de son évolution personnelle sur plus de trente ans.L'ouvrage est complété par un ensemble de documents audio et vidéo, accessibles à partir du site: ethnomusicologie.fr/plateforme-bernard-lortat-jacob-petits-pays-grandes-musiques

Cet ouvrage cherche à saisir comment depuis l'émergence de la société de consommation au mitan du XIXe siècle, on a appris à dire et à lire le corps; ce qui ne laisse pas de dépendre des conceptions morales, esthétiques et sexuelles promues par nos sociétés d'abondance. C'est la pudeur et l'impudeur, mais aussi la violence qu'on s'est alors employé à étudier pour cerner la place du corps dans l'identité individuelle – elle-même multiple: administrative, professionnelle, sexuelle, sociale. Ainsi, on a moins défini le corps de l'individu comme une unité que comme un flux de relations. Enfin, on a cherché à comprendre les manières dont l'individu peut aujourd'hui mettre en scène son corps et, pour ce faire, on s'est intéressé aux détours de ces langages sociaux que composent le maintien ou l'apparence esthétique (coiffure, maquillage, sveltesse), aux conformations physiques (force, grandeur, petitesse – " why is it that everything little is so cute? ") et, surtout, à leurs significations sociales de virilité, de féminité ou de charme. Toutes ces questions, on se les est posées dans l'ensemble de la pop culture, plurielle, alternative et mainstream, commerciale et engagée, standardisée et subversive: littérature de grande diffusion (bandes dessinées, romans graphiques, romans de jeunesse, young adult fictions), cinéma de divertissement ou d'exploitation, séries télévisées, variety et reality shows, photographies, jeux vidéos, pop music, arts numériques, produits de consommation courante. On s'est également intéressé au body building, aux fictions fondées sur l'ingénierie génétique, à la mode du tatouage, du piercing ou de la chirurgie esthétique. Ou encore aux expériences psychotropes, à la pornographie, aux représentations du monstre, voire aux discours néo-hygiénistes. En définitive, on a voulu montrer comment et surtout pourquoi le corps est devenu un mythe, au sens où l'entendait Barthes: fabriqué par les médias et la publicité, il fait passer pour naturel ce qui est en réalité culturel, changeant ainsi des signes historiquement déterminés en vérité prétendument éternelle.

Ce volume, conçu à l'occasion des vingt ans de la disparition de Frank Zappa, réunit les contributions de musicologues, de compositeurs et de musiciens : il met en lumière l'aspect savant de l'œuvre de cet artiste iconoclaste en étudiant son travail de chef d'orchestre, de compositeur ou de cinéaste.

Julie Michot relève le défi d'aborder Billy Wilder par le biais de la musique et nous ouvre une perspective passionnante en nous faisant réaliser à la fois l'abondance et la diversité de cette dimension dans l'œuvre du cinéaste. De plus, dans cette analyse, la musique, parce qu'elle sous-tend le dialogue et le son, devient à la fois un outil d'investigation original et un instrument de création considérable et, jusqu'ici, négligé. Car, par le biais de la musique, c'est la maîtrise chorégraphique qui est étudiée (l'hôtel-cabaret de Berlin-Est dans Un, deux, trois, qui culmine dans les trémoussements de Liselotte Pulver au son de La Danse du sabre; la ronde effrénée des danseurs autour de Watson dans La Vie privée de Sherlock Holmes); puis la gestion de la mécanique des corps devient naturellement celle des voix et des répliques, voire des détails faciaux (il y a chez Wilder une chorégraphie du visage de Jack Lemmon). Bref, en un remarquable équilibre de rigueur analytique et de gourmandise cinéphile, Julie Michot célèbre un art complet, souverain, bien plus profond et complexe que ses apparences enivrantes le laissent supposer.

La musique jouit en apparence de toutes les vertus. Sociologues, musicologues et neuroscientifiques ont montré ses bienfaits pour calmer les douleurs, apaiser les âmes et les rapports sociaux. On oublie de dire que les remèdes les plus puissants sont souvent aussi les plus dangereux… Sans délaisser l'étude des good vibes, ce numéro entend donc les mettre en regard avec les mauvaises ondes, celles qui tuent ou torturent: chants qui font brûler de rage le futur homicide en Ethiopie, souffrances du heavy metal… En jeu, saisir l'efficacité de structures musicales qui méritent parfois peut-être, car elles échappent à leur auteur, le nom d'êtres sonores.

Ce numéro aborde la musique et le théâtre ainsi que l'archéologie de Sumatra...

Que signifie créer un opéra, en France, depuis 1900 ? Louise (Charpentier, 1900) et Pelléas et Mélisande (Debussy, 1902) marquent les débuts de l'opéra français du XXe siècle par l'originalité de leurs sujets, la pertinence de leurs traitements musicaux, l'équilibre de leur ensemble et ouvrent la voie à presque mille créations, dans les théâtres nationaux, régionaux, comme dans les compagnies ou les festivals. Le groupe de recherche Opéfra (Opéra en France), créé en 2009, propose ici des outils pour comprendre et découvrir les paradoxes, les utopies et la réalité de la scène lyrique dans un univers bousculé par plusieurs guerres et de profonds changements sociaux et culturels. Il sera question des enjeux et des métamorphoses de l'opéra en France au fil du XXe siècle, des tendances en présence au tournant avec le XXIe siècle, mais aussi des livrets et des œuvres créées en marge des avant-gardes ou des genres canoniques. Les analyses présentées dans cet ouvrage sont complétées par des entretiens avec Georges Aperghis, Isabelle Aboulker, Graciane Finzi, Pierrette Fleutiaux, Pierre Bartholomée et Jean-Baptiste Barrière.

Omniprésente dans toutes les étapes de notre vie, la musique l'est aussi devenue dans une société qui a rendu cela technologiquement possible, par duplication, reproduction, compression...L'irruption du numérique a révolutionné le monde musical à tous les bouts de la chaîne, de la production jusqu'aux modes d'appropriation dont elle fait l'objet. La musique est désormais l'enjeu d'une gigantesque tectonique des plaques économique, sociale et culturelle. Le numéro 2 du BBF balaie l'ensemble de ces nouvelles problématiques.

Si comme le pensait Nietzsche, " les hommes supérieurs se distinguent par le fait qu'ils entendent infiniment plus ", Bachelard figure parmi ces esprits pour qui penser et sentir est une seule et même chose. L'objectif de ce livre n'est pas tant de découvrir en ce philosophe un musicien que d'étudier les enjeux d'une phénoménologie de l'écoute dans l'expérience musicale qui permet de faire l'épreuve de soi, de " voir et entendre, ultra- voir et ultra-entendre, s'entendre voir et s'entendre écouter" (Bachelard). Cette conception est le fruit d'une activité créatrice intense, qui se déploie dans la musique de manière privilégiée et répond à une autre logique, fondée sur des critères éthiques et non forcément artistiques.Porteuse d'intersubjectivité, cette " esthétique concrète " n'a qu'une seule exigence: le degré de vie de l'œuvre qu'il s'agit de transmettre. C'est dire la relation qu'a tout art avec la musique quand celle-ci est conçue comme un " jeu avec les forces ", animé par un orchestre invisible, sis en chacun de nous. Cela renvoie au concept de " santé ", appréhendé ici comme la capacité à " nourrir sa vie " et à l'entretenir grâce à l'exercice quotidien de la lecture active et de la pratique artistique. Il appartient au musicien qui " entend par l'imagination plus que par la perception " (Bachelard), de nous apprendre à sentir et à penser le monde, soumis aujourd'hui à une dé-perception au profit de la sensation qui conduit à une crise des modalités du lien.