Les contributeurs et contributrices de ce numéro se penchent sur la question du travail dans ses relations avec l'histoire de l'art. Des représentations iconographiques – comme celles de l'artisanat, de l'industrie ou encore des femmes au travail – aux corporations et à la conception du statut de l'artiste en passant par la définition et l'exercice du métier d'historien et historienne de l'art, le thème de ce numéro permet d'examiner l'évolution de la conception de l'activité artistique en même temps que le développement du vocabulaire destiné à la nommer. Il s'agira également d'identifier les courants de l'histoire de l'art qui ont porté leur attention sur la production et le processus de l'art plutôt que sur sa réception et de comprendre selon quelles théories, méthodologies ou idéologies la discipline s'est constituée.

Cet ouvrage, 8e numéro de la collection " un artiste / des étudiants ", édité par les presses universitaires de Bordeaux, retrace une expérience de recherche-création dont les méthodologies sont désormais très ancrées dans le champ de la recherche en art. La collection " un artiste, des étudiants " a la particularité de plonger les étudiantes et les étudiants de master en arts au cœur des processus de construction de la recherche expérimentale, en collaboration directe avec les artistes et le monde de l'art, avec qui ils engagent des travaux collectifs tout en assurant toutes les phases de production et de conception éditoriale.Ce livre représente un modèle de méthode possible pour la recherche en art et s'adresse donc à la fois aux chercheurs, chercheuses et artistes mais aussi aux étudiantes et étudiants en art qui souhaitent mettre en œuvre des pratiques de recherche expérimentale et de recherche-création.Ce volume donne à interroger les relations étroites, sensibles, formelles, écologiques et économiques entre monde minéral et pratiques humaines à partir d'un travail de terrain qui est allé à la rencontre des ressources et des imaginaires marbriers de Saint-Pons-de-Thomières dans l'Hérault, avec en bandoulière la pensée sculpturale de l'artiste Anna Tomaszewski.

Là où apparaît une image, qu'elle soit fixe ou animée, figurative, aniconique, matérielle ou mentale, surgit une histoire et une manière d'en agencer le récit. L'image et l'objet d'art racontent, et ces récits ne cessent de générer des récits: fictions ou légendes, articles scientifiques ou divagations rêveuses, dialogues des œuvres entre elles ou soliloques de spectateurs. Enracinée depuis l'Antiquité dans l'exercice narratif de l'ekphrasis, l'histoire de l'art explore, depuis les travaux de Giorgio Vasari et de Karel Van Mander, les formes de la narration, de l'anecdote à la légende biographique, des grands récits de l'autonomie moderniste ne cessant de dire la fin de la peinture qui raconte aux fictions d'objectivité. Qu'il s'agisse des récits sur lesquels se fondent les œuvres d'art, de ceux que constituent ses regardeurs ou des mises en récits opérées par les historiens de l'art, ce numéro entend s'emparer de l'acte de raconter comme d'un outil heuristique fécond. Ainsi les spécialistes ici rassemblés interrogent-ils, du Moyen Âge au présent le plus récent, les rapports de différents médias – image, texte imprimé, exposition ou vidéo – et médiums artistiques – décors, manuscrits, peinture, architecture, performance, bande dessinée, arts séquentiels, cinéma… – à l'histoire et aux histoires de l'art.

Le transport des biens patrimoniaux, enjeu capital des institutions qui les préservent, est à l'origine d'une littérature spécialisée considérable. Une historiographie critique du développement et de la normalisation de ses pratiques reste cependant à envisager. L'histoire de l'art, dans laquelle les phénomènes de circulations constituent un champ de recherche bien établi, délaisse quant à elle souvent les aspects pragmatiques relatifs à l'acheminement physique des objets. Consacré à ces phases particulières de mobilité, ce numéro de Perspective se situe au croisement d'approches diverses et traite de l'impact du déplacement des objets sur leur existence matérielle et symbolique. Le transport s'y distingue comme un moment à la fois précaire et intense de la vie des choses, révélateur à bien des égards de l'importance culturelle qui leur est conférée.

Les raisons qui poussent tant de gens, ici ou ailleurs, à nouer des relations privilégiées avec des non-humains, jusqu'à leur donner l'apparence de la plus parfaite félicité conjugale, restent encore mal comprises. Explorant une dimension peu étudiée du " rapport " aux objets — le rapport amoureux —, ce numéro décrypte les scénarios qui permettent aux humains d'avoir des liaisons avec toutes sortes de partenaires : squelette, orgue, arbre, voiture, chatbot ou bonhomme en massepain...Il interroge, ce faisant, les peurs ou interdits qui peuvent frapper ces amours irrégulières : en quoi sont-ils révélateurs des valeurs défendues par un collectif et de la façon dont il structure ses rapports au non-humain ?

Cet ouvrage est la synthèse d'un projet global et pluridisciplinaire fruit d'une réflexion sur les anonymes et l'anonymat dans le champ de l'Art Brut et la société en général.Pour questionner ce thème sociétal de manière transversale, cette publication comprend trois volets: une exposition à la Collection d'Art Brut, sous le commissariat de Gustavo Giacosa, metteur en scène et curateur indépendant, et de Pascale Jeanneret, conservatrice à la Collection de l'Art Brut; une enquête auprès de chercheuses et chercheurs à l'Université de Lausanne, présentée sous la forme d'interviews, et un spectacle.Gustavo Giacosa a été trois ans en résidence d'artiste à l'Université de Lausanne, de 2018 à 2021, où il a exploré le sujet de l'anonymat auprès de plusieurs facultés. Dans le même temps, il a imaginé une écriture scénique pour le spectacle La Grâce, présenté à La Grange de Dorigny, et découvert nombre d'oeuvres anonymes en Italie et en Allemagne, parallèlement à la sélection de travaux opérée par Pascale Jeanneret dans les collections du musée lausannois.Les oeuvres d'Art Brut présentées dans le cadre de cette exposition ont été conçues par des auteurs autodidactes qui ne se considèrent pas comme des artistes. Certaines d'entre elles sont également issues de pratiques artisanales populaires. Cependant, si les contextes de production diffèrent, tous ces travaux, qui datent de la fin du XIXe siècle au milieu du XXe siècle, ont un point commun: avoir vu le jour dans des milieux très éloignés de l'art, comme les prisons ou les hôpitaux, où leurs auteurs étaient souvent privés de leur identité, alors réduite à un simple matricule.Certaines de ses productions orphelines sont conservées dans le fonds de la Collection de l'Art Brut ou au sein d'autres institutions muséales européennes, comme La Collection Prinzhorn, à Heidelberg, le musée d'ethnologie et d'anthropologie de Turin et celui d'anthropologie criminelle, également à Turin.

Si les textes sur la diplomatie culturelle sont assez conséquents, très peu concernent la production et la diffusion des films. Les activités sur la promotion et diffusion du cinéma par les établissements culturels français sont également quasiment absentes de nombreuses études consacrées à l'histoire du cinéma. Cet ouvrage comble cette lacune grâce au projet de recherche qui en est à l'origine: Exporter et soutenir le cinéma dans le contexte des Instituts français et des Alliances françaises. En analysant les dispositifs de diffusion et promotion, la programmation et les publics sollicités, l'ensemble des contributions permet d'établir un premier bilan sur la vie des salles de cinéma des Instituts français et des Alliances françaises ainsi que sur leurs activités hors les murs. D'abord indice du rayonnement unilatéral de la culture française, ensuite vitrine de la "diversité culturelle", l'histoire des activités des IF et AF en matière de cinéma est certainement complexe. Nous avons préféré la restituer avec toutes ses contradictions et fait le choix d'exposer la variété des discours à travers les documents émanant des institutions, les récits à la première personne de leurs représentants, les études de chercheurs affirmés ainsi que les textes de jeunes doctorants.

Dans les mondes de la culture, les références sont nombreuses au geste artistique, à la vocation, au travail du corps ainsi qu'au désir. Que ce soit dans le travail des professionnels de l'art (comédiens, scénographes, musiciens, danseurs, plasticiens, designers, etc.), dans celui des médiateurs ou dans l'activité des amateurs, le corps – à la fois sexué et genré – occupe une place centrale, y compris lorsqu'il est absent ou recomposé numériquement via les pseudos et avatars.Ces mondes qui se veulent à l'avant-garde sur le plan artistique le sont-ils aussi sur le plan du genre ? Le talent a t-il un sexe, et si oui, est-il le même dans tous les domaines artistiques et culturels ? Comment expliquer les différences de carrière entre femmes et hommes dans des domaines où seuls le talent et la passion individuelle devraient compter ?Cet ouvrage rassemble les contributions d'une trentaine de chercheuses et chercheurs des sciences humaines et sociales, qui apportent des éclairages novateurs issus de secteurs aussi variés que ceux de la musique (jazz, rap, musiques de jeux vidéo, etc.), des arts plastiques, du livre ou encore de la danse et de l'artisanat d'art.

Cet ouvrage cherche à saisir comment depuis l'émergence de la société de consommation au mitan du XIXe siècle, on a appris à dire et à lire le corps; ce qui ne laisse pas de dépendre des conceptions morales, esthétiques et sexuelles promues par nos sociétés d'abondance. C'est la pudeur et l'impudeur, mais aussi la violence qu'on s'est alors employé à étudier pour cerner la place du corps dans l'identité individuelle – elle-même multiple: administrative, professionnelle, sexuelle, sociale. Ainsi, on a moins défini le corps de l'individu comme une unité que comme un flux de relations. Enfin, on a cherché à comprendre les manières dont l'individu peut aujourd'hui mettre en scène son corps et, pour ce faire, on s'est intéressé aux détours de ces langages sociaux que composent le maintien ou l'apparence esthétique (coiffure, maquillage, sveltesse), aux conformations physiques (force, grandeur, petitesse – " why is it that everything little is so cute? ") et, surtout, à leurs significations sociales de virilité, de féminité ou de charme. Toutes ces questions, on se les est posées dans l'ensemble de la pop culture, plurielle, alternative et mainstream, commerciale et engagée, standardisée et subversive: littérature de grande diffusion (bandes dessinées, romans graphiques, romans de jeunesse, young adult fictions), cinéma de divertissement ou d'exploitation, séries télévisées, variety et reality shows, photographies, jeux vidéos, pop music, arts numériques, produits de consommation courante. On s'est également intéressé au body building, aux fictions fondées sur l'ingénierie génétique, à la mode du tatouage, du piercing ou de la chirurgie esthétique. Ou encore aux expériences psychotropes, à la pornographie, aux représentations du monstre, voire aux discours néo-hygiénistes. En définitive, on a voulu montrer comment et surtout pourquoi le corps est devenu un mythe, au sens où l'entendait Barthes: fabriqué par les médias et la publicité, il fait passer pour naturel ce qui est en réalité culturel, changeant ainsi des signes historiquement déterminés en vérité prétendument éternelle.

Entre méconnaissance et représentations, les conditions et les modes de création artistique font l'objet de nombreuses interrogations pour l'historien de l'art. Les modifications de la nature et du statut de l'œuvre d'art, de même que la redéfinition des rapports entre les pratiques artistiques au cours du XXe siècle, et peut-être plus manifestement au tournant des années 1950-1960, soulignent l'importance de comprendre la création comme un processus.Cette publication propose de réfléchir aux conditions de la production artistique en tant que telle. Il s'agit de s'interroger sur l'élaboration, matérielle ou immatérielle, de l'œuvre d'art, non pour entretenir ou asseoir les représentations qui lui sont associées mais pour en saisir les ressorts, déceler les variations et en soulever les enjeux. En travaillant les différentes réalités et logiques de la création – matérielles, relationnelles, psychiques, psychologique –, qui font l'objet de nombreuses spéculations, ce volume propose d'éclairer le rapport, toujours complexe, de l'oeuvre à ses marges.

Ce livre prend position sur les enjeux et les visées des œuvres d'art en matière de vérité et de morale: il répond, par un retour sur l'époque des Lumières, aux questions contemporaines sur l'idée d'un perfectionnement moral de l'individu (S. Cavell, M. Nussbaum, S. Laugier). Les Lumières ont mis au cœur de la création artistique les émotions, les affects et les sentiments, mues par la conviction de l'efficacité d'une éducation esthétique de l'homme, d'une éducation sensible par le sensible, en l'occurrence par les œuvres.La vérité a-t-elle un sens en matière artistique? L'autonomie de l'œuvre, la liberté du créateur, la dévaluation de tout canon au nom d'un global turn qui contraint au relativisme rendent aujourd'hui difficile cette affirmation. Et la sincérité de l'auteur, même si elle relève d'un idéal moral d'authenticité et de la formation de l'identité (Ch. Taylor), ne saurait être un argument, tant elle tombe sous le coup d'un soupçon préjudiciel. La critique, elle, pourrait- elle prétendre au vrai? Mais il y a plusieurs interprétations possibles d'une œuvre, plusieurs interprétations qui touchent juste au sens où l'on dit d'une voix qu'elle est juste, d'un vêtement qu'il tombe bien.À partir de quelques études de cas, Danièle Cohn revient sur l'idée d'une fin de l'art (A. Danto) et propose de fonder jugement artistique et jugement esthétique sur la justesse.

Christine Vial Kayser approche Anish Kappor par son rapport à la philosophie indienne, au tantrisme, au bouddhisme, au judaïsme et à la psychanalyse jungienne. L'artiste affirme le caractère spirituel de son œuvre qu'il désigne comme le questionnement sur " l'origine de la vie ". Cette affirmation situe son travail dans une généalogie de l'art moderne et contemporain dont ce texte analyse les présupposés sotériologiques. Les modalités de sa réception dans le contexte du musée ou de la galerie d'art moderne sont également décryptées dans ce livre largement illustré.