" Les femmes qui se parfument doivent être admirées de loin ": le mot d'ordre est quasi unanime à la fin du XIXe siècle. En écho au discours médical qui accuse les effluves artificiels de tromper sur la véritable nature et sur l'état de santé de la femme, les manuels de savoir-vivre de l'époque condamnent celles qui négligeraient les règles strictes concernant l'usage et le dosage des parfums. Pour les écrivains fin-de-siècle, le danger réside davantage dans le pouvoir addictif et lénifiant des senteurs féminines. Pris au piège de ces odeurs, les héros romanesques qui les respirent plongent dans des états seconds, dont seule la mort parvient – parfois – à les libérer.Le présent ouvrage étudie la façon dont dialoguent ces trois discours. Par l'analyse des romans Nana de Zola, Notre cœur de Maupassant et L'Ève future de Villiers de L'Isle-Adam, cet essai se propose de montrer comment, au crépuscule du XIXe siècle, les présupposés sociaux et scientifiques concernant les odeurs composent l'imaginaire collectif dans lequel puisent les auteurs pour créer des héroïnes toujours plus séduisantes, menaçantes… et parfumées.

Au XVIIe siècle, en France, le chœur, véritable colonne vertébrale des tragédies grecques, déserte les scènes théâtrales. Mais s'il disparaît en tant que groupe physiquement présent, l'élément choral ne s'absente pas pour autant.Tel est l'enjeu de cet essai: mettre à jour, à partir des récritures d'Antigone et d'Iphigénie par Jean de Rotrou et par Jean Racine, les traces du chour antique dans la tragédie française du XVIIe siècle. Mais il s'agit aussi et surtout de montrer que l'éviction et la reconfiguration de ce médiateur désormais indésirable entre la scène et la salle, a des conséquences déterminantes sur la composition de l'action, les caractères des personnages et l'expérience du spectateur. L'ouvrage offre ainsi un éclairage inédit sur le fonctionnement dramaturgique de la tragédie classique, tout en invitant à s'interroger sur les véritables causes du redéploiement du chœur dans la production théâtrale ultérieure.

" Si le style de Lovecraft est déplorable, on peut gaiement conclure que le style n'a, en littérature, pas la moindre importance; et passer à autre chose. " Cette manière franche et malicieuse de dynamiter les bruits qui courent est celle de Michel Houellebecq dans H. P. Lovecraft. Contre le monde, contre la vie, son premier livre publié en 1991. Pressentait-il à l'époque le jugement similaire de certains critiques sur son écriture? Cela a-t-il eu un rôle ensuite dans la réception de son style? Difficile à dire.Le fait est que la parution des Particules élémentaires, en 1998, a vu naître un nouvel avatar de cette figure paradoxale que l'histoire littéraire française, pour des raisons différentes à chaque fois, ressort périodiquement de ses tiroirs: l'écrivain sans style. Qu'est-ce que l'absence de style peut signifier aujourd'hui? Et à quelles nécessités ce constat répond-il?Jusqu'à l'automne 2010 et l'obtention par Houellebecq du prix Goncourt, ce sont douze années de controverse qui sont ici analysées et mises en perspective. Une tentative de retracer les grandes étapes de ce débat. Un effort pour en dégager les facteurs déterminants. Une invitation, en somme, à penser Houellebecq comme un moment où la littérature se retourne sur elle-même, face aux bouleversements majeurs qui l'assaillent de toutes parts.

En prenant le contrepied du postulat, encore dominant dans les départements de littérature et dans les programmes de l'école publique, que les interprétations "savantes" des récits littéraires prennent leurs distance avec des phénomènes relatifs à la pratique "ordinaire" de la lecture (implication affective dans l'histoire, croyance en l'existence des personnages), Aurélien Maignant pose l'hypothèse que la distinction entre lecture "ordinaire" et "lecture savante" est largement caduque.En effet, aucun discours porté sur une fiction ne peut s'empêcher de proposer une version alternative du monde raconté, version à laquelle il fait semblant de croire. Chaque interprète se situe dans une position comparable à celle des personnages, non pas en habitant directement la fiction, mais indirectement, en la cohabitant. D'Edgar Allan Poe au marquis de Sade, en passant par Horace de Corneille, cet ouvrage s'interroge sur les univers de croyance comme mises en jeu du monde.

Qui sont ces femmes étrangères qui font irruption dans la production romanesque suisse romande du tournant du XXe siècle ?Les protagonistes d'Ægyptiacque (1891), de Luisita (1903) et des Circonstances de la vie (1906) empruntent nombre de leurs traits à des figures mythiques fortement connotées. L'étude conjointe de ces romans révèle combien leurs auteurs – William Ritter, Édouard Rod et C. F. Ramuz – participent à la mise en place et au renforcement d'un imaginaire collectif typique d'une époque traversée par de profonds bouleversements socioculturels. Cristallisant les angoisses suscitées par l'intensification de l'immigration autant que par l'essor du féminisme, les héroïnes des trois récits analysés dans le présent essai ajoutent à la menace de l'altérité étrangère celle d'une féminité incontrôlée. Qu'elles tiennent d'Hélène, enlevée par Pâris et funeste à son insu, ou de Lilith, démoniaque " Ève avant Ève " nuisible à dessein, ces personnages doublement " autres " s'inscrivent obstinément dans la lignée des femmes fatales en rupture de ban.

Le monde selon Beckett est installé dès le premier roman. Autour de la figure-titre, une ronde de personnages burlesques tisse un fond d'intrigue dont Murphy se détache, en posture recroquevillée et dans une perspective cohérente : la "mort aux choses sensibles" comme seul espoir de sérénité et d'unité. Cette position d'être pensant est pourtant sans avenir et Murphy, en tant qu'homme, se verra anéanti dans l'immuable paysage d'un "fiasco généralisé". Quelques romans plus tard apparaît Molloy, dans un dénuement à la fois saisissant et invraisemblable, au terme d'un parcours dont l'entier de la narration se présente comme un écho. Le livre propose un trajet en deux étapes, où l'avènement de Molloy en "figure parlante" fait suite à la chute du premier homme beckettien.

 Dossier consacré à des récits filmiques mettant en jeu un écrivain " projeté " dans le monde même de son œuvre. Des biopics tels que Les Contes de la folie ordinaire (Ferreri), Le Festin nu (Cronenberg), Kafka (Soderbergh), The Hours (Daldry), Les Frères Grimm (Gilliam) ou encore Le Scaphandre et le papillon (Schnabel) sont examinés dans leur dimension narrative, esthétique et idéologique. En abordant de façon inédite la question de l'adaptation, les articles contribuent à nourrir une réflexion plus générale sur le devenir de l'écrit à l'écran, et sur les " mythes " véhiculés par le cinéma à propos de la littérature.La rubrique dédiée au cinéma suisse permet quant à elle de discuter l'apport de films d'hier (Züri brännt) et d'aujourd'hui (Traders de Bron), et comprend une retranscription du débat critique qui s'est tenu durant les  " Journées de Soleure " 2010 à propos de la production helvétique récente.

Les analyses de ce dossier montrent combien Star Wars - "phénomène de société" plus encore qu'un ensemble de films - est un lieu privilégié d'exploration d'un bon nombre de préoccupations contemporaines. Qu'il soit question de nouvelles technologies, de représentations sociales aux implications interprétables dans un cadre issu des gender studies (voir l'article de Charles-Antoine Courcoux), de narration (notamment dans le texte d'Alain Corbellari, qui s'intéresse aux motifs empruntés à la littérature médiévale), du rôle de la musique et de l'héritage qui le sous-tend, des liens instaurés entre cinéma classique hollywoodien et "post-modernisme", etc., le monde posé par les deux trilogies réalisées entre 1977 et 2005 constitue un support stimulant de réflexion, ne serait-ce qu'en raison des nombreux paradoxes qui les traversent, et à partir desquels on peut aisément extrapoler une pensée plus large sur les blockbusters actuels.     Si la prise en compte rigoureuse du fonctionnement discursif de ces six films n'a pas été négligée, nous avons toutefois mis l'accent sur ce qui les entoure, voire sur ce qui excède l'unité circonscrite par la saga. Car "Star Wars", ce n'est plus seulement le titre d'un film, ni même d'un ensemble de réalisations sérialisées, mais la franchise principale (avec Indiana Jones) de l'estampille "Lucasfilm Limited". Il ne peut dès lors plus être question d'une "oeuvre", puisque cet éclatement nous conduit au-delà du champ cinématographique, dans le domaine des "produits dérivés" bien souvent sous-estimé par les études spécialisées. Dérivons donc "à travers champs", en espérant développer au gré de ce parcours sélectif un regard différent sur le "phénomène" Star Wars, machine à monde(s) qui est elle-même un monde de machines, à la fois sans cesse convoqué dans les discours sur le cinéma et, finalement, rarement analysé dans le détail. Les objets périphériques auxquels nous nous sommes attachés sont de diverses natures: fragments de films qui s'entrechoquent dans des clips vidéo commercialisés sur un DVD (A Musical Journey dont il est question dans l'article de Laurent Guido), prolongements narratifs sous forme vidéoludique (voir l'article de Dominic Arsenault et Bernard Perron) ou bédéique (voir la dernière section de l'introduction), figurines façonnées à l'effigie des personnages de la saga (voir l'article d'Alain Boillat) sont autant de productions qui appellent une approche renouvelée des faits (para)filmiques.Notre rubrique consacrée au cinéma en Suisse est cette fois marquée par des référents ou des enjeux situés au-delà de nos frontières. Les programmations internationales de trois autres festivals de notre pays ont été considérées sous des angles particuliers: examen de la démarche et des grandes lignes esthétiques de l'oeuvre de Rithy Panh, invité d'honneur à Nyon dont les préoccupations prolongent celles d'autres cinéastes "arpenteurs de mémoires" comme Resnais ou Lanzmann, avec cette insistance que l'on trouve par exemple chez l'écrivain Robert Antelme sur la nécessité pour la victime d'un génocide d'affirmer son humanité face au bourreau (voir l'article d'Alain Freudiger); rencontre avec Christian Lelong, documentariste sélectionné à Fribourg qui sillonne le Niger; état des lieux de la production horrifique à partir de quelques oeuvres montrées au Festival du film fantastique de Neuchâtel. Enfin, Felix Berger, responsable des ventes de pellicule chez Kodak, nous ouvre les portes de cette entreprise internationale sise à Renens, revenant sur plus de trente années d'activités au moment précis où le développement de la célèbre pellicule Super 8 vit ses derniers jours... alors que, dans une "galaxie (pas si) lointaine", un George Lucas se fait le chantre du "tout-numérique".

Comment définir ce qu'est un monde ? Comment expliquer la chute irrémédiable des empires bâtis par l'homme ? Quelle voie choisir dès lors que la condition humaine se révèle tragique ? Telles sont les implications philosophiques des sept romans de Jérôme Ferrari parus à ce jour. Ces récits ne se réduisent cependant pas à de simples questionnements; ils permettent à la philosophie de " parler la prose du monde ". C'est ainsi, par des trames narratives aux qualités proprement romanesques, façonnant des intrigues captivantes et des personnages crédibles, autant qu'un univers cohérent, que l'auteur offre dans ses romans le dévoilement d'une vérité métaphysique.Afin de susciter un sentiment d'empathie chez le lecteur et d'empêcher toute identification naïve de sa part, Jérôme Ferrari élabore des récits à la structure complexe et à la narration polyphonique. Chaque voix porte un univers fictionnel dans lequel les conceptions du monde comme les désirs s'opposent sans se résoudre, mais où le chaos finit par former l'harmonie. Au-dessus du tumulte s'élève alors une voix, celle de l'œuvre. Ainsi, par l'étude des aspects structurels, thématiques et narratifs traversant l'ensemble des romans de Jérôme Ferrari, cet essai se propose de mettre en lumière les contours et les principaux éléments de son univers romanesque.